PATRICK MIKHAIL PRÉSENTE ANTONIETTA GRASSI À L'ARMORY SHOW 2025 À NEW YORK
Marking Time: Honouring the Legacies of Agnes Martin, Alma Thomas, and the Gee's Bend Quilters
Nous sommes ravis de revenir à l'Armory Show. Pour notre projet de la section FOCUS, organisé par Jessica Bell Brown, nous présentons une installation de l'artiste ANTONIETTA GRASSI.
Grassi a créé des œuvres rendant hommage à un groupe de femmes artistes originaires du Sud des États-Unis ou ayant des liens étroits avec celui-ci, qui ont été pour elle d'importantes sources d'inspiration.S'inspirant de l'héritage d'Agnes Martin, d'Alma Thomas et des quilteuses de Gee's Bend, Grassi s'intéresse à la manière dont ces artistes marquent le temps à travers des œuvres mêlant abstraction moderniste et références aux traditions textiles et artisanales.
D'Agnes Martin, Grassi hérite d'un attachement à la structure, à la répétition et à l'émotion subtile, à travers l'utilisation de délicats changements de tons et de lignes fines pour créer des surfaces méditatives et contemplatives.L'influence d'Alma Thomas se ressent dans l'utilisation rythmique des motifs et des couleurs par Grassi, canalisant l'énergie et le mouvement dans une structure sobre et quadrillée. Les motifs cellulaires de Thomas trouvent un écho visuel dans les motifs répétitifs et les géométries en blocs de Grassi, bien que les répétitions de Grassi soient moins liées à la nature qu'aux grilles textiles, aux cartes mères et aux systèmes de codage.
Plus profondément peut-être, Grassi se connecte et honore l'héritage des quilteuses de Gee's Bend par ses références aux textiles, à la géométrie imparfaite et à la valorisation de l'artisanat comme vecteur de mémoire et de sens. Grassi considère les courtepointes de Gee's Bend comme aussi importantes que n'importe quelle autre œuvre du canon moderniste de l'abstraction. Elle met en valeur la nature tissée, rapiécée et superposée des courtepointes tout en faisant référence aux systèmes de codage. Contrairement à la précision mathématique du tissage, le processus pictural de Grassi est intuitif et réceptif à son environnement, à l'image des quilteuses.
En dialogue avec ces artistes pionnières, Grassi a également rendu hommage aux contributions de femmes telles que Grace Hopper et Ada Lovelace, dont le travail novateur en codage a jeté les bases des systèmes numériques qui inspirent son propre engagement à l'intersection de la technologie et de l'artisanat.
En rendant hommage à ces artistes, Grassi cherche à brouiller les frontières entre abstraction et récit, technologie et tradition, créant un corpus d'œuvres qui parle à la fois de notre culture numérique contemporaine et est profondément enraciné dans les histoires féministes et artisanales. Grâce à cette synthèse, elle articule sa propre façon de marquer le temps : un langage rythmique et stratifié qui maintient la mémoire, le geste et la technologie en conversation discrète avec ces femmes artistes pionnières.
ANTONIETTA GRASSI
LAURÉATE DE LA BOURSE GUGGENHEIM 2024
Les peintures d'Antonietta Grassi recontextualisent l'histoire de l'art abstrait, soulignant le rôle essentiel du travail féminin dans les avancées technologiques. En faisant référence aux textiles, à la technologie et à la contribution des femmes aux premiers systèmes informatiques, son travail établit un parallèle entre le métier à tisser et les origines de la programmation informatique. Bien que ancré dans les traditions de la peinture moderniste, l'art de Grassi reflète la condition contemporaine de la vie dans un monde surnumérisé et dématérialisé, tout en cherchant à renouer avec une expérience plus incarnée et spirituelle.
Grassi a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment de la Fondation commémorative John-Simon Guggenheim, du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec. Son travail a été présenté dans des expositions individuelles et collectives dans des musées et des galeries au Canada, aux États-Unis, en Europe et au Moyen-Orient. Les œuvres de Grassi font partie de collections publiques, corporatives et privées, notamment celles du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée d’arts contemporains de Baie-Saint-Paul, du Groupe Desjardins, de BLG, d’Affaires mondiales Canada, des ambassades du Canada à Dubaï et en Tunisie, du Conseil des arts et des lettres du Québec, des Archives publiques de l’Ontario, de Yamana Gold, de la Galerie d’art Stewart Hall, de Capital One (MIT), de la Bibliothèque publique de Boston et du Museo MAACK (Kalenarte). Elle a participé à plusieurs résidences, notamment au International Studio and Curatorial Program, à la Fondation Ragdale, aux Studios du Mass MoCA, au Banff Centre for the Arts, au Vermont Studio Centre, au Centre SAGAMIE et au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul. Elle est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Concordia et d'une maîtrise en beaux-arts de l'Université du Québec à Montréal. Grassi vit et travaille à Montréal où elle est professeure à la Faculté des arts visuels du Collège Dawson.
La machine et son histoire sont des thèmes récurrents dans les peintures de Grassi. Mais tout en reconnaissant le triste sort des pièces mises au rebut, ces machines sont tout sauf décourageantes. Ce sont des êtres magnifiquement brillants et autonomes qui semblent bien vivants. Ce n'est pas seulement leur forme, mais aussi le fonctionnement interne de leurs systèmes d'exploitation qui interpelle Grassi. Son inspiration vient de mathématiciennes et informaticiennes comme Ada Lovelace et Grace Hopper. Le métier à tisser Jacquard, l'un des premiers systèmes informatiques, fait également partie intégrante de la pratique de Grassi. Non seulement plusieurs de ses machines ressemblent à sa forme, mais elle constitue aussi un lien avec ses racines. La mère et les tantes de Grassi travaillaient dans l'industrie du vêtement, et elle-même était une designer textile. Les fils conducteurs de ses peintures semblent relier ces influences et ces souvenirs aux coutures. L'utilisation de la couleur et de la grille par Antonietta Grassi évoque les œuvres des femmes artistes issues du canon de l'abstraction moderniste du XXe siècle – un autre système de codage à part entière : Helen Frankenthaler et Agnes Martin se devinent sous les lignes horizontales multicolores. À l'instar d'Eva Hesse, elle apporte sa touche personnelle à un sujet apparemment impersonnel en imprégnant la machine de vie et d'émotion. Son approche de la peinture est à la fois intuitive et intentionnelle, chargée de mémoire, mais aussi mathématiquement et techniquement précise. Et on y retrouve toujours une expression d'espoir et de connexion, malgré notre époque.
Agnes Martin (1912–2004) était une peintre américaine d'origine canadienne, reconnue pour ses compositions sereines et minimalistes, composées de grilles délicates, de lignes subtiles dessinées à la main et d'une palette de couleurs douces. Après son installation aux États-Unis, elle a passé de longs séjours dans le Sud-Ouest américain, notamment au Nouveau-Mexique. Souvent associée à l'expressionnisme abstrait et au minimalisme, son œuvre cherchait à évoquer des états de contemplation silencieuse et de transcendance, puisant ses influences dans le bouddhisme zen et le monde naturel. Les peintures de Martin sont réputées pour leur précision méditative, leur sobriété et le potentiel spirituel de l'abstraction.
Martin a été une source d'inspiration constante dans la pratique de Grassi. Comme Martin, Grassi utilise souvent la géométrie, la répétition et un sens aigu de la couleur pour créer des compositions rythmiques et méditatives. Si Grassi travaille avec des teintes plus saturées et fait référence à la grille des structures textiles et de la technologie, elle partage la quête de Martin pour les possibilités poétiques de la ligne, de la forme et de l'équilibre à travers le processus méditatif de la répétition.
Alma Thomas (1891–1978) était une peintre afro-américaine surtout connue pour ses abstractions vibrantes et rythmées. Installée à Washington D.C. pendant une grande partie de sa carrière, elle a été profondément liée au Sud des États-Unis par son éducation à Columbus, en Géorgie, qui a façonné son sens de la couleur, de la lumière et des motifs. Associée à la Washington Color School, Thomas a développé un style distinctif alliant une abstraction rigoureuse à une énergie musicale. Son œuvre explore l'expression
L'adoption par Thomas de la couleur comme vecteur important d'émotion et de sens dans ses peintures abstraites a été une source d'inspiration majeure pour Grassi. Comme Thomas, Grassi utilise l'abstraction pour explorer le rythme, la répétition et l'interaction entre la structure et la spontanéité. Si les œuvres de Grassi intègrent des références textiles, des surfaces superposées et des tons plus subtils, elle partage l'attachement de Thomas au pouvoir expressif de la couleur et à sa capacité à évoquer à la fois une résonance personnelle et une connexion universelle.
Les quilteuses de Gee’s Bend sont un groupe de femmes afro-américaines de la communauté de Gee’s Bend, en Alabama, dont la tradition de confection de courtepointes remonte au milieu du XIXe siècle. Les résidentes de Gee’s Bend sont les descendantes directes des esclaves qui travaillaient à la plantation de coton fondée en 1816 par Joseph Gee. Ancrées dans le sud des États-Unis, leurs œuvres sont reconnues pour leurs improvisations audacieuses, leur utilisation inventive de la géométrie et leurs combinaisons de couleurs vibrantes, souvent créées à partir de tissus recyclés. Bien que profondément fonctionnelles à l’origine, ces courtepointes sont aujourd’hui reconnues comme de puissantes œuvres d’art moderne, incarnant la résilience, la mémoire culturelle et un langage visuel expressif unique, à la croisée de l’artisanat et des beaux-arts.
Grassi considère les quilteuses de Gee’s Bend comme des contributrices importantes au courant moderniste et partage avec elles un intérêt pour la géométrie, les motifs et la couleur. Leur travail est pour elle une source d'inspiration profonde et constante. À l'instar des quilteuses, Grassi allie structure et improvisation, laissant la couleur, la forme et le rythme guider la composition. Si ses peintures font référence à la technologie et aux textiles sous un angle plus minimaliste et abstrait, elles font écho à la tradition de Gee's Bend en célébrant le travail manuel, l'histoire complexe et les récits profonds que peuvent véhiculer les motifs et les formes.